油画布是什么材质
是一种油和水都难以渗透的材质。油画布的基本使用材料是纯棉的布，其中可能会加入亚麻、纤维、纯棉等等，制作而成。由于油画使用的颜料材料是油和水的混合物，想要把它画在布上。就对这种布的材质有了特殊的要求。在普通亚麻，纯棉等等着做成普通的布料上，会刷一层防水防油的涂层以使用。假如普通的布料上不对其表面涂一层防水防油的涂层，那么是无法满足油画绘画的要求的，颜料会渗透过另一面。
油画布是什么材质
油画布的主要材质是各种植物画布，其中亚麻油画布较为普及，并且尺寸比较固定也不易腐蚀和霉变。雨露麻油画布是属于一种高品质的画布，但制作工序比较复杂。一般棉麻油画布是由55%的麻和45%的棉所组成。1、亚麻油画布：亚麻油画布的特性是不易变形，并且尺寸稳定。一般画布的强力较高，伸长小，抗脏污，不易霉变，散湿较快。根据制取麻纤维方法不同，有黄色的温水麻和青灰色的雨露麻。2、黄麻油画布：黄麻油画布是黄褐色的，因为纤维较为粗硬，仅适合做较为粗大的画布。3、棉帆布油画布：最开始大部分的画家都会用棉帆布来作画，但是这种布料易受潮，发霉和腐烂，所以大多都不再使用。不过棉帆布更适用于喷绘油画。4、涤纶油画布：涤纶油画布通常是喷绘油画时所使用的，但是涤纶画布遇到油渍后会变得脆弱，十分容易脆化。
街头涂鸦都用得什么颜料？
街头涂鸦用丙烯颜料。丙烯颜料可用于手绘墙画的绘制上，以及其他的装饰绘画，丙烯颜料不仅溶于水，又可以方便的溶于油画，是一种非常好的手绘颜料。丙烯颜料干燥后为柔韧薄膜，坚固耐磨，耐水，抗腐蚀，抗自然老化，不褪色，不变质脱落，画面不反光，画好后易于冲洗。可反复堆砌，画出厚重的感觉，如加入粉料和适量的水，类似水粉，加入大量的水，则可画出水彩、工笔效果。扩展资料：注意事项：由于丙烯颜料的主要调剂含水量很大，因此在容易吸水的粗糙底面上作画更为适宜，如纸板、棉布、木板、纤维板、水泥墙面、麻毛质地的金属面、石壁等。作丙烯画可以用一般的油画笔、画刀、中国画笔、水彩画笔、板刷、海绵、丝瓜络等。调色盘和笔洗多用不吸水的陶瓷、玻璃、珐琅质地的容器，以防清洗不净。丙烯颜料在水分挥发后即干透，因此作画时对程序要心中有数，以使笔触衔接自然，构图谨慎，达到预想效果。参考资料来源：百度百科-丙烯画百度百科-丙烯颜料
画丙烯画用什么样的画布好啊？
现在很多画油画的都是用丙烯做底料的，我的意思是你大可以直接在布面上用丙烯颜料做底然后再画。当然也有专用的底料Gesso可以让颜料看起来更有光泽或是减低颜料的光泽 增加稳定性,或者是产生裂缝效果。Gesso就是使用压克力颜料时的打底剂。在布，纤维板，瓦楞板，水泥上色前，要先涂一层Gesso底色。 这样颜料才不会受到素材本身颜色的影响，不但可以方便上色，而且还可以充分表现颜料颜色。GESSO成品底涂料“GESSO”意大利语意是灰泥或熟石膏，是成品底涂料，可直接涂于绷好的画布上。传统的GESSO由兔皮胶、大白粉与白颜料（钛白或锌白）混合而成。现代合成胶（丙烯类）与填充材料合成的丙烯GESSO，既可以用于丙烯画，也可以用于油画。它干得快、不开裂，操作简便。市场上出售的成品底涂料有白色、土红色和银灰色。在布上画的话用水或者松节油应该都可以把，也有用甘油的，底子不好的话画布吸水容易变形，这样来说用松节油或甘油可能更好一点。市场上也有丙烯颜料专用的调色剂，效果不太清楚。丙烯颜料的辅助剂有很多，可以辅助丙烯颜料达到各种不同的效果，掺油的话可能会干的慢一点，但是建议最好别掺油画用的亚麻油之类干性油的，这类油干燥的时间非常的慢似乎不可能与丙烯结合。缓干剂的成分和油是不同的，似乎是一种乳液，效力也很有限，一般的温度能维持个3-4小时不干就不错了，还是很快呀。
要画一幅丙烯颜料画 已经在电脑上画好了稿图。怎么把稿图转移到油画布上啊？打稿方面很头痛。
我经常用铅笔在油画布上画稿 是可以用硬橡皮比如高光橡皮擦掉的 只要用HB以上的硬铅轻点画不反复画就行 实在不行就麻烦点 把你的电子稿水平翻转 打印出来 用2B以上的软铅描一遍轮廓 重一点描 描的线别太粗 覆盖在油画布上 用胶带固定 用干布在稿上抹一抹 让铅痕留在油画布上 再细画一下就可以得到和电子稿一样的底稿了 铺碳粉是油画家起油画大稿用的 不是你这种精细装饰画能用的
杭州最大,品种最丰富的美术器材店(颜料)在哪里
杭州元华购物中心的杭州书画社~~
元华商厦在延安路与解放路交界的地方，杭州解百商厦对面，青藤茶馆旁边。
可以乘坐的公交车有
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38/K38路 Y2路 K216(夜间线)路 290/K290路 308/K308路 617路 K402路 68/K68路 K188路 151/K151路 K95路 K195路 8/K8路 K208(夜间线)路 到“开元路”站下，走一小段路就到了。
初学者学油画先要准备些什么东西
1、 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料，由手工研磨成细末，作画时才进行调和鼻衄内。颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而，掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。2、松节油，是一种挥发性医用油。在油画的调制中，起稀释颜料的作用。一两分钟即可完全挥发，干后无光泽。将松节油和调色油按照一定比例混合使用，干得较快，色彩也比较亮。3、画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。4、画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。5、画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调，作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后，不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。6、 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。7、外框，完整的油画作品包括外框，尤其是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。参考资料：百度百科-油画
怎么画油画工具材料的用法
油画基本工具包括：油画颜料、油画笔（笔刷比水彩画笔硬）、画刀、稀料（入门使用松节油和亚麻籽油两种就可以了）、画布、洗笔溶剂（可以用松节油代替，但是建议使用专用洗笔溶剂）。1、颜料：如果初学，买9支基本油画颜料即可。分别是：中镉红、茜红、镉橙、钴紫、永固绿、浅镉黄、钛白、象牙黑、群青。通过这九种颜料可以调配出五彩缤纷的任意颜色。2、画笔：初学者不用准备太多画笔，但是画笔要选择质地较硬，有弹性的笔刷，可以很好的涂抹油画颜料。刷毛形状包括：平头型、扇形和圆头型。3、画刀：油画最特别的地方就是肌理，这一部分来自打底、另一部分来自用画刀堆色。画刀也有很多样式，最常见的是黄油刀，平口刀，还有特别的，斜口刀、方刀等等。4、稀料：松节油和亚麻籽油的区别是，松节油易挥发、干得快，适合底色和单色素描时候用。亚麻籽油干的慢，这样就可以在颜料没有干的时候调整笔触，做出好看的画面。5、画布：标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。扩展资料：油画画笔保养：油画笔的维护与保养很重要，应该在每天工作后及时清洗，有些人喜欢画完后将画笔在水中一泡了事，以为这样可以不使笔毛干结，但画笔泡在水中时间长了会失去弹性且变形，笔毛与套管处的胶粘剂也会脱开而导致笔毛脱落，因此长期这样是不可取的；清洗画笔的正确方法是先用软布或纸擦去笔上的颜料，然后在盛有松节油和白花油的洗笔桶或其他容器中洗去笔上的颜料，如有专门的洗笔液或洗笔皂则更好，接着用温肥皂水把笔彻底洗干净，最后用布将水擦干或甩干；为使得画笔保持原状，应该仔细地将笔毛理顺后笔头向上放入笔洞筒，也可用废报纸将平头画笔头包起来压住以保持形状；没有及时清洗的画笔会由于油画颜料的干燥而板结，只能用强烈溶剂如苯或香蕉水溶解清洗，但是这样会使得笔毛变脆，寿命缩短；通过动物毛制作的画笔很容易生蛀虫，长期不用时应该注意保存在盒子中并放入防蛀的药物。参考资料：百度百科-油画工具
油画工具介绍与使用方法
1、鬃毛油画笔。鬃毛油画笔的笔头一般为猪鬃，这种画笔的笔头结实，有弹性和强度，清洗方便，能够挑起比较厚重的颜料画出有肌理感的笔触，是绘制油画时为常用的画笔。2、软毛油画笔。软毛油画笔主要包括：狼毫笔、貂毛笔、牛毛和骆驼毛画笔及化纤笔等。一般由貂毛或人造毛混制而成，这种画笔质地柔软，着色时柔和均匀且没有明显的笔触痕迹，适合绘制画面中虚化的背景，也可以绘制局部细节。3、牛毛笔。牛毛笔比较软，柔韧度上佳，比较适合罩染上色中使用，在画面上没有明显笔触和有非常细腻的质感，适合表现古典画法。4、铅笔。铅笔笔迹可以用橡皮擦去，所以在上色前可以先用铅笔画出底稿，方便修改。5、扇形笔。这种画笔的笔毛稀疏，呈扁平的扇状。可以用轻扫的方法柔化轮廓。使用扇形笔揉色时必须保持画笔本身清洁，否则会妨碍它的灵巧性。6、勾线笔。油画勾线一般用较软毫的尖头笔，笔毛修长纤细，一般用来绘制高光、远处的小景等非常细腻的部分。7、油画刀。油画刀由一块金属刀片和木质手柄制成，可以用它刮去调色板的颜料，也可以用它画出肌理效果非常明显的作品。
拉萨有什么好玩的地方景点推荐
拉萨好玩的地方有：布达拉宫、大昭寺、羊卓雍错、八廓街、色拉寺。1、布达拉宫布达拉宫是国家AAAAA级旅游区，屹立在海拔3700余米的西藏拉萨市中心北京中路的红山上，占地面积40万平方米，建筑面积13万平方米，主楼红宫高达115.703米。是西藏地方规模最大、式样最全，美丽如画的宫殿。2、大昭寺大昭寺已有1300多年的历史，在藏传佛教中拥有至高无上的地位。大昭寺是西藏现存最辉煌的吐蕃时期的建筑，也是西藏最早的土木结构建筑，并且开创了藏式平川式的寺庙布局规式。大昭寺融合了藏、唐、尼泊尔、印度的建筑风格，成为藏式宗教建筑的千古典范。3、羊卓雍错简称羊湖，藏语意为“碧玉湖”，是西藏三大圣湖之一，像珊瑚枝一般，因此它在藏语中又被称为“上面的珊瑚湖”。其位于西藏山南市浪卡子县，拉萨西南约70公里处，与纳木错、玛旁雍错并称西藏三大圣湖，是喜马拉雅山北麓最大的内陆湖泊，湖光山色之美，冠绝藏南。4、八廓街位于旧城区的八廓街又名“八角街”，是拉萨最著名的转经道和商业中心。街道上到现在依旧会有一些藏民在进行着神圣的转经仪式，表达内心的虔诚。临街的房子几乎都是商店，贩卖各种藏族服饰、工艺品，还有来自印度、尼泊尔等地的商品。5、色拉寺色拉寺与哲蚌寺、甘丹寺合称拉萨三大寺，是三大寺中建成最晚的一座。有藏区最著名的辩经仪式。辩经在寺内最北边的辩经场举行。观看辩经的人非常多，早到可以占个好位置。色拉寺许多大殿内保存了较老的壁画，最好带上手电或头灯，方便欣赏。
梵高是 怎样 的 一个人
梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。 梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。 梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。 梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。 梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。 梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”. 梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。 在他完成了他举世瞩目的七幅向日葵后，他选择了自杀。 梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震撼人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。 梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。 梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非梵的个性。这从来都是如此的。而这种色调与向日葵永远朝向太阳的精神又如此吻合。“无论多高多大，永远不会忘记自己的来处”.这就是向日葵的精神。 文森特·梵高 文森特·梵高（1853 - 1890）是继伦勃朗之后被认为是荷兰最伟大的画家。他和高更、塞尚并称为后印象派。他们吸收了印象派的精髓，却反对印象派纯客观理性的描绘，提倡事物的实质和象征意念，是现代艺术最重要的先驱。梵高27岁时才开始绘画，在短短十年间, 绘画了800多幅油画及同等数目的素描, 却几乎从未能觅得买家, 只能长期依赖弟弟Theo 在经济上和精神上的支持。他的一生，就正如毕加索所说: 『这人如不是一位疯子, 就是我们当中最出色的。』 1873年，梵高在伦敦其伯父经营的画廊中工作，并热烈追求房东的女儿。后来，因为失恋，梵高尝透了爱情的苦楚，他辞去画廊的工作，一心投身传道，以安抚人类痛苦的心灵。1876年，梵高在学校任义务教师，帮助低下层的小孩学习。1878年，梵高到比利时Borinage矿区任传道员的工作。就在这年冬天, 矿洞发生坍塌的悲剧，伤亡惨重，上帝的神迹并没有出现，令梵高对宗教开始失望。1879年，教会撤除了梵高的职务。被撤职后的梵高仍然留在矿区，开始对绘画发生兴趣。 1886年，梵高跟随弟弟，去到艺术之都巴黎，认识了高更、塞尚、秀拉及罗特列克等同道中人，并深受印象派及日本板画的影响，开始形成了日后强烈的个人风格。 1888年，梵高受塞尚的影响，到法国南部的普罗旺斯省，寻找创作的灵感。他在阿尔定居，并在此绘画了二佰多幅油画，当中却只能卖出一幅 (注:红葡萄园)，得到一则画评。在贫困的生活中，赤热的阳光下，不竭的创作令梵高变得神经衰弱。为了加强自己的信念，梵高喜孜孜地邀请高更到阿尔共同居住，并大肆粉饰了他的黄屋。但两个固执的艺术家共同生活的结果，却是不断的争吵。在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的左耳。从此，他不但失去高更这个好朋友，还给所有人笑作疯子。1889年，梵高入住St. Remy的精神疗养院。1890年5月，梵高搬到Auvers-sur-Oise, 靠近弟弟居住，并在短短两个月内，绘画了七十多幅油画。狂热而不可抑制的创作激情，有如烈火焚烧着他的内心，使他心力交瘁，精神濒临崩溃。1890年7月27日早上，文森特·梵高在麦田中开枪自杀，延至7月29日伤重不治，享年37岁。 梵高不描绘任何事物，他就是他画中的主题和目的。而这个世界给他的感觉太过强烈，他只得消失。
梵高 是怎样一个人?
梵高自画像梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今享誉世界。
文森特·威廉·梵·高（梵高是Van Gogh的音译，而且不是一个词）出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。
梵高年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎，和印象派画家相交，在色彩方面受到启发和熏陶。以此，人们称他为“后印象派”。但比印象派画家更彻底地学习了东方艺术中线条的表现力，他很欣赏日本葛饰北斋的“浮世绘”。而在西方画家中，从精神上给他更大的影响的则是伦勃朗、杜米埃和米莱（Millet）。
梵高生性善良，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区（博里纳日）里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。然而在他主持的一次葬礼上，一位老人的厉声谴责使他突然变得清醒，他开始意识到这世界上根本就没有上帝，博里纳日的矿工们再也不需要上帝，当然也不需要他了。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。
梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”
在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感动,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。
概述中国古代绘画的起源与发展脉络
起源于原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画。
先秦绘画己在古籍中有记载，己达到较高的水平。
秦汉多是神话人物，气势恢宏。魏晋南北朝，出现文人画。隋唐发展快，产生名家。宋朝发展到高峰，元明清相继发展。
中国古代绘画起源很早，五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙朴的动植物纹样和人形图案，在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰，之后又在青铜器上刻铸纷繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远，所保存下来的实属凤毛磷角，却使我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天所能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品，是出土于墓葬的随葬品，距今己有2000多年的历史。
早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科，如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后，欧洲绘画传入中国，为了与本土传统绘画相区别，舶来之欧洲绘画作品冠名为"西洋画"，本土绘画自然就称为"中国画"。因此，中国画最初的称谓，是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。
中国画是东方绘画艺术的主流，在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式，还是表现手法上，中国画与西方绘画都有极大的差别。
工笔重彩画与水墨写意画
在多数人的印象中，传统的中国画似乎就是水墨写意画，其实这是一个误会。中国画按照其技法及风格可分为两大类型，即工笔重彩画和水墨写意画。工笔画又称"细笔画"。其绘画风格工整细致，以规整并富有表现力的线条勾画出物象的轮廓，并注重于细部的刻划，然后再敷以厚重、鲜亮的颜色。工笔画所用颜料大多以矿物质制成，历经多年，仍然可以保持原有的色彩;整个画面漂亮明丽，有着很强的装饰效果。正因为这部分绘画作品具有富丽堂皇的外观，中国历史上大多数宫廷画家部采用此种画法，以表现皇家气派。
相对于工笔画的就是写意画，又称 "粗笔画"。其画风简略，通过尽量简练的笔墨，着重描绘物象的神韵相意态，而并不十分在意所画对象的逼真与形似。画家在画中多采用概括、夸张的手法，运用丰富的联想，最大限度地抒发自己的情绪，张扬不同的个性。因此，写意画作品带有一定的即兴性、随意性和偶然出现的意外效果，较难临仿和描摹。它们几乎部是用水墨完成的，有着素淡、清雅的外观。这类作品在后期中国画坛上占有很大的比例。
从中国画发展的历史来看，早期的(公元12世纪以前)画幅均为工笔重彩画。晚期的作品则多是水墨写意画；再从作者的情形来看，工笔重彩画的作者大都是职业画家或工匠画家，水墨写意画的作者则大多兼有文人的身份。
当然，在工笔画和写意画之间还有一片开阔地带，供画家们在两端取舍，从而形成折中的即半工笔半写意的画法。
诗、书、画、印的完美结合
传统的中国画离不开诗词。题款。篆刻，是诗"书。画、印相结合的艺术表述。
早期中国的许多文字，是根据对象的形状或意义，用简练的 线条描绘出来的象形艾宇。这与使用线条画画相似。中国文字的这一特点，加上书写文字的形式本身带有很强的艺术创造性，因而与绘画有着某种天然的联系，人谓之"书画同源"。中国画家(尤其是文人画家。在作画的过程往往十分自然地将写字的笔法运用到绘画中去;他们在创作中的情感，很多时候以诗句的形式——直接题在画面上；并按中国文人的习惯，在画的落款处盖上刻有自己名号的朱砂红印章。强调线条的表现力，强调绘画笔墨的书法情趣，是品评中国画作品格调高下的重要标准。
中国绘画非常讲究画家综合的艺术修养，画家在下笔之先，一般已经将题诗的内容、宇体及印章在画面中的位置作了通盘的考虑。画中的诗何与图像相辅相成，对画面意境和构图起到了某种补充和平衡的作用;印章的红颜色义与黑白的(水墨)图画形成色彩的差异。将诗、书、画、印四个分割的因素融为一体，组成一幅统一的画面，是中国画一个很重要的特色。
从画面布局上看，中国传统绘画与欧洲绘画有一个明显不同，就是中国画很注重在画面留有空白。空白处并不是空无一物，它可以是山中的云蔼，可以是江面的晨雾，也可以是日月的光华，甚至可以什么都不是。有人认为，"布白"是中国画中最为人关注的要点。画家强调画面诗意的传达，那些空白处也许正是诗意的不确定性、模糊檬拢的象征，留给观赏者想象的余地。公元11世纪时的中国大画家、大文学家苏拭(1036-1101)曾提出"诗中有画，画中有诗"的主张，这也是后来历代画家追求的境界。
人物画、山水画、花鸟画三足鼎立
在中国画中，人"物、山水、花鸟是三个最大的科目，也是最常见的题材。它们大致可以和欧洲绘画中的人物、风景、静物相对应。
以人物形象为赛主体的绘画，是中国"古代绘画各科目中出"现最早的，美术考古发现也证明了这一-点。原始社会的先民"们用白茎、红矾土、霸炭黑在岩壁上画的人寨形和动物图案，可以"说首开人物画的先霸河。至大约1500年前的魏昔南北朝时期，人物画的艺术发展逐渐成熟。这一时代的霞著名画家、艺术理论家顾档之(348-409)提出了人物画应"以形传神"、"形神兼备"的主张，认为画家不仅应当正确地描绘人物的外形，而且要注意刻划人物的精神、气质，即内在的东西。在此后的漫长岁月里，艺术家。艺术评论家几乎无一例外地依循这一认识，从事创作和品评。人物画在中国绘画发展的前期有极其辉煌的历史。
以描写山川自然景色为主体的绘画称为山水画，是中国画中最重要，也是影响最大的一个科目。它的兴起比人物画要晚得多，大约在唐代(618-907)趋于成熟，此后名家辈曲 名作不断，盛极一时。山水画的兴盛，有其中国传统文化上的深层的原因。中国古代哲人崇尚"天人合一"，认为人与天地万物是相通的，人的善性天赋能感知自相通的，人的善性天赋能感知自然。即便人在官场市井，心也向往着山水林木;亲近自然、融人自然，成为中国文人 (包括画家)最大的愿望。画家们在描绘自然景色中寄托内心的感情和追求，同时给予观赏者以许多联想与启示。纵观中国古代的绘画史，山水画画家在所有画家电 所占比例是最大的。
中国画的另一门类，以描写花卉、竹石、鸟兽，虫鱼为主体，其中最常见的是将花、鸟组合在一起，故称之为花鸟画。花鸟画给人一种特殊的观赏情趣，其兴起较山水画为早，起先用于工艺品的纹样上，到唐代开始成为中国画中的一个独立门类。中国古代文人喜好梅、兰、竹、菊，认为它们清雅高贵，表现了文人清高脱俗的气质。因此，梅兰竹菊是花鸟画中常见的题材。
高中历史必修Ⅲ,概述中国古代绘画的起源与发展脉络.
中国古代的绘画起源于新石器时代，发展脉络如下：
1、绘画的萌芽
石器时代是中国绘画的萌芽时期，伴随者石器制作方法的改进，原始的工艺美术有了发展。但在若干年以前，我们所掌握的中国绘画的实例还只是那些描画在陶瓷器皿上的新石器时代的纹饰。但近年来，在中国的许多省份发现了岩画，使得史学家们将中国绘画艺术的起源推前至旧石器时代。在这些众多的发现中，也包括了许多描绘人的图像，有些堪称宏幅巨制。内蒙古阴山岩画就是最早的岩画之一。在那里，我们的先人们在长达一万年左右的时间内创作了许多这类图像，这些互相连接的图像把整个山体连变成了一条东西长达300公里的画廊。据推测，是宗教或巫术的感召促使先人们不辞辛劳地创作了这些图像。类似的图像还可以在苏北的连云港孔望山将军崖岩画遗址中见到。
2、新石器时代的绘画艺术
探讨新石器时代的绘画，我们仍然要把目光投向那些地处边远地区的神秘岩画。在云南沧源发现的岩画反映了人类的活动，包括狩猎、舞蹈、祭祀和战争。岩画的构图更趋于复杂，所表现的内容也由单个的物体发展为互相关联的具有动感的人。它们的存在使我们看到了中国绘画发展的一个重要时期。当然，这个时期艺术家们在绘制岩画的时候并没有任何的边界的限制，岩面也并没有作任何的处理，它们的创作是无拘无束的。
这一切的改变源自于陶器和木结构建筑的出现，具有创造力和想象力的艺术家们马上就发现这些材料是绝好的作画之处，于是，缤纷的色彩和丰富的纹样出现在这些器物上。以质朴明快、绚丽多彩为特色的仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案，是我国先民的杰出创造。此外，大汶口文化、红山文化、河姆渡文化等，也有一定数量的彩陶。仰韶类型的彩陶以在西安出土的半坡陶盆《人面鱼纹盆》最具特色，也最耐人寻味，关于这种图案具体的含意一直在猜测之中。庙底沟类型的彩陶的图像中最引人注目的是绘制于陶缸上的《鹳鸟石斧图》，出土于河南临汝闫村。该图以写实手法所描绘的鸟、鱼及斧据说代表了鹳氏族兼并鱼氏族的历史事件。此外，在青海大通出土的马家窑类型的舞蹈纹彩陶盆，描绘了氏族成员欢快起舞的景象，堪称新石器时代绘画艺术的杰作。
3、先秦绘画概况
在整个"先秦"时代中，春秋以前属于奴隶制社会，战国以后则进入了封建社会。伴随着社会分工的扩大，各种手工业得到了极大的发展，出现了所谓的"青铜文明"。统治阶级的需要带动了美术各门类的发展，绘画当然也不例外，有了长足的发展。但是，我们今天能够见到的先秦绘画遗迹少之又少，造成这种现象的原因被推测为大部分的绘画都绘制在了易于腐烂的木质或者布帛上面。在商代的多处墓葬中发现了残存的彩绘布帛，在商代王室的墓葬中更是发现了很多的木质品上的漆画残留。可见，用漆作为颜料绘制器物在当时已很广泛了，常用的黑、红两种基本色的并置形成了强烈的对比。据说，那时的漆绘制品经常是与铮亮的青铜器以及白色的陶器摆在一起的，极富观赏性。在殷墟也曾发现过建筑壁画的残块，以红、黑两色在白灰墙皮上绘出的卷曲对称的图案，颇有装饰趣味。西周、春秋、战国时期都有庙堂壁画创作的情况被记载下来，楚国屈原著名作品的《天问》就是在观看了楚先王庙堂的壁画后有感而作的。
幸运的是，在长沙的楚墓中先后出土了两幅战国时期的带有旌幡性质的帛画，它们都属于公元前3世纪的作品。两画描绘的都是墓主的肖像，一幅为妇人，其上方绘有飞腾的龙凤；另一幅则是一位有身份的男子，驾驭着一条巨龙或龙舟。墨线勾勒的侧面肖像及伴有象征意义的动物是两画的相同之处，所不同的是《人物御龙图》所表现出来的画家技巧要熟练了许多。
4、秦汉绘画概况
秦汉时期，是中国统一的多民族封建国家的建立与巩固时期，也是中国民族艺术风格确立与发展的极为重要的时期。公元前221年，秦始皇统一中国后在政治、文化、经济领域的一系列改革使得社会产生了巨大的变化。为了宣扬功业，显示王权而进行的艺术活动，在事实上促进了绘画的发展。西汉统治者也同样重视可以为其政治宣传和道德说教服务的绘画，在西汉的武帝、昭帝、宣帝时期，绘画变成了褒奖功臣的有效方式，宫殿壁画建树非凡。东汉的皇帝们同样为了巩固天下，控制人心，鼓吹"天人感应"论及"符瑞"说，祥瑞图像及标榜忠、孝、节、义的历史故事成为画家的普遍创作题材。汉代厚葬习俗，使得我们今天可以从陆续发现的壁画墓、画像石及画像砖墓中见到当时绘画的遗迹。秦汉时代艺术以其深沉雄大的气魄，在中国美术史上放射着夺目的光彩。
5、汉代帛画
汉代画在缣帛上的作品很多，但历经千年之后，遗存极少。目前最重要的发现有本世纪70年代分别出土于湖南长沙马王堆、山东临沂金雀山的汉墓中的西汉帛画。马王堆1号墓中出土的帛画的含意最为隐晦，学者们的解释极为多样，但一般都认为帛画的上部和底部分别描绘的是天界和阴间，中间两部分则表现的是死者軑侯夫人的生活场景。墓主及各种神禽异兽的刻画极为生动，勾线流畅挺拔，设色庄重典雅，显示了西汉绘画的卓越水平。此外，马王堆3号墓中的三幅帛画的重要性也不容忽视，除墓主人外，还描绘有"导引"、仪仗等内容，精美非常。金雀山的帛画内容与马王堆汉墓帛画相近，上有日月仙山、下有龙虎鬼怪，中间部分描绘的是墓主人的人间生活景象，此画"没骨"与勾勒相结合，反映了汉画技法
6、三国两晋南北朝隋唐绘画概况
三国魏晋南北朝的历史，是由统一而分裂的过程。先是魏、蜀、吴三国鼎立，随后由司马家族统一为西晋，但十六国的连年战乱，使得中国再次进入了一个分裂的时代。5世纪时，由北魏的统一和相继分裂而形成的北朝和西晋王朝偏安江左后被宋、齐、梁、陈替代形成的南朝相互对峙。政治的不稳定、时局的混乱动荡，带来的是经济的普遍衰退，但在意识形态领域却有了超乎寻常的改变。此时的统治阶级早已被儒家思想所左右，民间的风气也随之俯仰。纷乱的社会，又给宗教的蔓延和传播创造了极好的机会，社会各个阶层都对佛教有了更为迫切的需要和更为广泛的接受。作为社会意识形态的映象之一的书画艺术在此时也发生了强烈的变化。绘画中的人物画得到了突出的发展，对其他对象的描绘则还处在很不成熟的阶段
在中国绘画发展史上，隋唐是魏晋南北朝之后的又一重要时期。隋朝书画，继往开来，酝酿着新风格的出现。初唐的书画则承袭了隋朝的风尚，崇尚法度，但已呈现出不同的面貌。这一转变到盛唐时就已经完成了。各科画家先后涌现，风格趋向于健美飞动。以吴道子为代表的人物画（包括宗教画）与山水画，展现了唐代绘画的卓越成就。中晚唐的绘画又发生了新的变异，它的影响直到五代时仍能体现出来。 魏晋南北朝时期在艺术方面的变化更多的是体现在书法艺术方面，楷书真正出现了。绘画艺术的变化虽然不象书法那么显著，但是社会风气的变化，崇佛思想的上扬，都让本来简略明晰的绘画进一步变得繁复起来。曹不兴创立了佛画，他的弟子卫协在他的基础上又有所发展。作为绘画走向成熟的标志之一，南方出现了顾恺之、戴逵、陆探微、张僧繇等著名的画家，北方也出现了杨子华、曹仲达、田僧亮诸多大家，画家这一身份逐渐地进入了历史书籍的撰写之中，开始在社会生活中扮演愈来愈重要的角色。
在这一时期中，发展得最为突出的是人物画（包括佛教人物画）和走兽画，而中国绘画中的其他各科还远未成熟，东晋顾恺之的传世作品《洛神赋图》中出现的山水只是作为人物故事画的衬景，山水画的逐步独立直到南北朝后期才趋于完成。之所以会这样，也是由于这一时期绘画的主要任务决定的--为政教服务，"是知存乎鉴戒者图画也"。这也是那时绘画的一个主要特点。
